一、古希腊时期－完美的身体

古希腊人以裸体为美，常把男性裸体与胜利、荣耀、甚至美德联系在一起。从希腊人体雕塑作品可见，艺术中的身体具有理想化的造型，遵循黄金分割定律，身体各部位对称匀称，表情坚毅，姿态优雅，一般带着“古风式”的模式化微笑。

早期古希腊的雕塑形象，一般是站立的男青年，一只腿向前迈，另一只腿承载着身体重量。到公元前5世纪，随人们掌握了更多的人体解剖知识，男性裸体雕塑有了一个重大创新，以米隆的《掷铁饼者》为代表，解决了人物雕塑的重心落在一只脚上的问题，由此改变了人体雕刻中直立的程式。

公元前4世纪中期雕塑家普拉克西特列斯《阿佛洛狄忒》是希腊第一座全裸的女雕像，建立了女性裸体雕塑的新传统。雕像表现了刚刚脱去衣服，正迈步走向海中的阿佛洛狄忒，强调了身体S形优美曲线，脸部双目微斜，似略感羞涩，充分表现出女性的温柔娇媚之态。相比之下，古罗马人体雕塑更为写实且更具个性，如大量出现的《奥古斯都像》基本保留其黑瘦的脸型特征。

二、中世纪－受限的身体

在整个中世纪，艺术形象依托圣经，多为宗教题材。早期基督教艺术，因为受到政府限制，以公共地下墓窟的天顶和壁画为开端。而基督教强调禁欲、原罪和童贞，因此裸体尤其是女性裸体自然成为艺术的首要禁忌。正如圣经中《最后的审判》所描述的，亚当和夏娃被驱逐出伊甸园，希腊罗马式的理想化人体一去不复返，人体转而成为羞耻、罪恶和虚弱的象征。

在9世纪反偶像运动影响下，拜占庭的艺术很少出现形象化的神像，以线条和平涂的色彩的动态为基础。以教会石柱雕像为特色，人物形象的个性特征受到抑制，为标准化的正面脸型，体型是平面化的，衣褶被处理为旋动的线条图案。随10~11世纪的罗马式艺术复兴，石雕迅速发展起来，人物被塑造得夸张、变形。到13世纪，圣像画开始流行，以《圣经》为题材，基督受难形象及圣母玛利亚和圣婴耶稣的人体形象出现，人物形象相对单调且比例失真。并非艺术水平不够，而是有意为之。在一些私人传播的泥金装饰手抄本圣经及《黄道十二宫》、《奥维德》的插画中，女性形象开始出现。此时的“哥特式”女人体，有着长长的身体、柔和的曲线、窄胸高腰、小而圆的乳房和凸起的肚子。

三、文艺复兴到18世纪—解禁的身体

意大利文艺复兴呼吁传统价值，回归希腊罗马文化，人体再次成为艺术创作的主题。此阶段的一些着名雕塑作品，开始打破古希腊确立的标准模式，融入更多的个性因素，如多纳泰罗的青铜雕像《大卫》。在绘画方面，到文艺复兴盛期，人体形象以米开朗基罗笔下的壁画为典型的例子，女性和男性一样具有强健的骨骼和肌肉、极其健美的裸体。米开朗基罗为西斯廷教堂所绘壁画《创造亚当》中，从天飞来的上帝，将手指伸向裸体的男子，像接通电源一样将灵魂传递给亚当。由此，近乎全裸的圣塞巴斯蒂安殉难形象开始流行起来。
1486年波提切利为美第奇家族创作的《维纳斯的诞生》，作品描绘维纳斯从爱琴海中诞生，风神把她吹送到岸边，而春神芙罗娜用繁星织成的锦衣在岸边迎接她，维纳斯忧郁惆怅地立在象征诞生之源的贝壳上，造型明显受古希腊雕刻影响，从体态和手势都有模仿卡庇托利维纳斯的痕迹，但缺少古典雕像的健美与娴雅，体态显得娇弱无力。以塑造女人体出名的艺术家还包括拉斐尔、提香、丁托列托和委罗内塞。

到1600~1750年间，欧洲出现了一种以肉感和浮艳着称的人体绘画艺术风格——巴洛克。它摒弃了古典主义造型艺术上的刚劲、挺拔、肃穆、古板的遗风，追求宏伟、生动、热性、奔放的艺术效果。可以说是一种极端男性化的风格，充满阳刚之气，是汹涌狂烈和坚实的。如以健美丰腴、充满肉欲的人体形象着称的鲁本斯的《醉酒的大力神》及卡拉瓦乔的《胜利的爱神》等。女性形象多为维纳斯和三女神。由于受路易十五的情妇蓬巴杜夫人趣味左右，美化上流社会妇女成为风尚，全裸和半裸的妇女造型以及精美华丽的背景装饰成为一时的热点构图。

巴洛克晚期，一种更具装饰性和趣味性的风格产生，即洛可可，色彩十分娇艳，以回旋曲折的贝壳形曲线为主。它一方面不免浮华做作，另一方面却以法国式的轻快优雅使绘画完全摆脱了宗教题材。在艺术家华托、弗拉杰奈尔等艺术家笔下，男女裸体都变得玲珑纤细，表现出一种纤巧之秀美，如布歇的《维纳斯的爱》。在雕塑方面，以贝尔尼尼的《普鲁特和普罗塞耳皮娜》为例，戏剧性的情节及激烈的运动，成为这一时期流行的标准。

四、古典主义时期—理智的身体

18-19世纪，古典历史画等传统题材仍非常流行，激情四溢的巴洛克及性感甜美的洛可可风潮下，女性人体仍是绘画和雕塑的主要题材。这一时期人们开始思考以精细的造型手段创造一种抽象的古典美典范的必要性。为了表现理性自律，艺术家把自文艺复兴以来的焦点透视技法一直奉为圭臬，形成了新古典主义画风。人们很容易把洛可可艺术看成是对物欲和欢愉的反映，而同时把新古典主义看成是理智对本能的否定。

如艺术家安格尔对表现女性裸体充满了热情，他的《泉》是最典型的代表作品，画中少女身体呈正面站立，摆成古典理想的S型，体态匀称优美，结构准确，轮廓清晰，肢体修长，肌肤光滑如缎。这种恬静、抒情和纯洁的美不参杂一丝欲望，但与现实离得很远。可以看出，米开朗基罗、乔尔乔奈的裸女体现的是一种充满人性的时代理想，而安格尔在裸女上所寄予的理想，则是“永恒的美”这一抽象概念。但到19世纪晚期，学院派画家开始面临现实主义和浪漫主义画派的双重冲击。

五、近代艺术—思变的身体

浪漫主义和现实主义是西方近代艺术的两个代表性流派，出现在19世纪早期，是反抗新古典主义的艺术形式，其新意在于对影响身体形象完美的不和谐因素毫无避忌且有意引入。如在油画《梅杜莎之筏》中，浪漫主义画家杰里科以金字塔形的构图，刻画了遇难者的饥渴煎熬、痛苦呻吟等各种情状，画面充满了令人窒息的悲剧气氛，也给观众带来不适感，这在古典艺术中通常见不到。

自18世纪工业革命后，关于男性美的观念有了突破性进步，主要不在其外表形象而在其内涵、才能、智慧和勇气方面。因而19世纪男性裸体更纤长苗条，体现在艺术方面，更多地为雕塑，如皮埃尔-查尔斯·辛马特的大理石杰作《躲避于帕拉斯祭坛的俄瑞斯忒斯》，罗丹名作《青铜时代》、《思想者》、《吻》等。与浴女题材一样，到19世纪末，描绘只有男性参加的休闲和社会活动的艺术作品也非常受欢迎。艺术家在表现男女裸体时，将其当作某种社会问题的反映和象征，赋予更深层更复杂的意义。德拉克罗瓦、库尔贝、德加、高更、莫狄里阿尼、戈雅等人的女性裸体画皆各具特色。

出现于19世纪60年代的印象主义以及19世纪80到90年代的后印象主义在某种程度上可以算是现实主义和浪漫主义的两种变体。印象派画家雷诺阿对写实的要求非常高，在表现女性形象时曾说，“只有当我感觉能够触摸画中的人时，我才算完成了人体肖像画。”代表作有《大浴女》。后印象派的塞尚以其形式主义发动了一场针对古典写实主义的革命，通过对事物内在结构的探索，引导艺术走上了重形式而轻内容的抽象化道路。爱德华·马奈更以《草地上的午餐》和《奥林匹亚》中当代语境下的裸体女性，震惊了当时整个社会。