获佳士得商标授权的北京永乐将于6月5日在北京银泰中心柏悦酒店举行2012春季拍卖。永乐的现当代艺术部门将重磅出击，推出的重量级作品赵无极创作于1968年巅峰时期巨作《18.3.68》是此次春拍的最大亮点。永乐还将首次推出老油画专题《百年遗珍——中国20世纪油画亚洲重要私人收藏》，以及周春芽(微博)的两幅代表作。此外 “美丽新世界”单元也将继续带来新锐艺术家的佳作。

永乐中国二十世纪及当代艺术专家王从卉表示，立足于艺术史，在当代的语境下呈现传统的美学复兴是永乐立足于国际艺术市场的根基。赵无极这件作品《18.3.68》正是在此初衷下的永乐本轮春拍的力荐，此外，老油画、写实及美丽新世界各单元也都会有精彩作品呈献。

重点拍品推介

赵无极，在其一生的创作生命里，在对西方绘画的材质及方法论的沿袭中，始终不断地在东方传统美学的延续和发展上寻求突破，在精神上回归中国传统艺术的人文精神，一步一步的实现中国与西方这两大古老文明在传承与创新间的激荡与融合。

1960年代中期对于赵无极来说，无论是生活上或是创作方面，都是变化强烈而频繁的时期，此时他将无处宣泄的情绪投入创作之中，进入到厚积薄发的巅峰创作阶段。艺术家在 1985年时回忆道：“我从 1935年画油画 ,到1964年－用了三十年才真正懂得油画自由的方法。”三十年间创作所积累的能量清晰的展现于巅峰状态的 1968年的这件《18.3.68》。不同于 60年代早期的作品，赵无极 60年代后期创作专注于以色彩与线条表现中国传统山水画总所隐藏的宇宙自然境界。观者在自由的抽象笔触间能体验到山峰岚气在千岩万壑间游转、烟云蒸腾、晦冥变化、风声飒飒、微风拂过水面掀起涟漪等等玄妙的自然力量。经过 30多年漫长的探索，线条从物象的轮廓、文字符号的刻画至抽象的情感挥洒，艺术家在此阶段的作品包含了最大限度的概括性、含蓄性、象征性、和诗意性，在无形中成为艺术家内在与生命轨迹的记录。

《18.3.68》正是在这一时期的典型作品。沉静内敛的深褐与迷蒙苍茫的灰白是画面的主体，空灵的青蓝浸晕其间，天地灵性跃然眼前。画面中部大面积的灰白表达暗喻中国水墨烟云翻腾，烟岚缭绕的山水景观。表现一种行云流水、舒展从容的大开大阖。黑、褐、灰、白的色调，呼应中国“墨分五色”的艺术趣味。纯净青蓝的色调，让人联想到近处水波的涟漪以及远方的层层山林，充分展现了中国美学中 “空灵”、“精粹”、“纯净 ”境界。

《18.3.68》在画面在结构上完全打破西方绘画的定点透视，空间规范。作品沿承借鉴中国传统绘画的横向三段使空间分割，色彩及肌理的绚烂变化集中在画面中段，而留下画面上下方大面积的舒淡“留白”，该结构自如的把广远时空纳入画布，投射出大山大水的宏远时空，呈现无限宽广的空间感和超逸悠远的意境，从而表达了中国艺术的最高理想。

2)周春芽《青石》——传统美学的当下性

当19世纪末期，西方绘画带着 500年来文艺复兴的光辉叩响了国门，中国的艺术家们就开始了在中西方迥然不同的绘画技法、美学观念、文化处境中探索融合的漫长历程。整个 20世纪中国美术史便是在中西艺术碰撞糅杂中留下的印记。

在中国当代艺术的语境下，西方体系在当代艺术中曾占据绝对话语权，政治与意识形态成为主要表达内容，波普及大众艺术成为主要表现手法的中国当代艺术创作被选择进入全球当代艺术的版图。在这样的背景下， 20世纪延续而来的中西艺术融合的探索在表面上似乎一度被淡忘与搁置。然而，当我们静下心来，将视野稍稍扩大，便会发现中国传统文化的本源性仍然在当代艺术家们的血液中流淌，进入到他们的作品当中。无论是个性写意化的周春芽，随性自由书写的刘炜，还是以理性创字的徐冰或谷文达。。艺术家们对于东西方艺术融合的探索，或者说是中国传统艺术美学精神在当代艺术语境下的回归从未停止过。

90年代初，当周春芽从德国回国后，便一直在找寻一种方式如何在东方化的语汇中寻找到种契合自我气质的表现性语言，以此克服中西在文化语境和审美内涵上的差异。这时他开始从中国传统绘画中找思路。正如周春芽后来所回忆的：我一头扎进了中国传统绘画之中，开始系统的研究古代文人绘画，尤其是在元四家、八大、董其昌的图式形态中找到了我的兴趣点，这是我绘画生涯的重要转折点：我决心走一条出人意料的全新的路。

石头系列就是周春芽这条路的起点。山石一直是传统中国画中的一个典型对象，是中国文人画的精神象征，承载着中国文人关于自然和完美人格的诸多理想。 1990年，周春芽的创作迈出了新的一步，石头开始成为他绘画的中心，一直延续到 1999年。在这 10年中，当同辈艺术家汲汲于反思社会、政治，周春芽却集中探索色彩、肌理、质感和造型，对绘画元素、表达形式的穷究，使他的创作达到另一深度。探索出一条以德国新表现主义的视点探索对中国传统艺术对象的全新视觉表达。

周春芽自述：“我在创作“山石”的时候，正在研究文人山水画，我并没有像国画家那样在材质属性和图式形态上去理解，而是按照我的表现意图去寻找那些令我觉得陌生又能带来惊喜的东西，我在肌理和质感上花费了很大的工夫，近似于强迫症似的去捕捉和玩味那些潜藏在石头自然属性中的视觉因素，把这些东西强化、放大本就是形式，而视觉的呈现本就是内容。”

对周春芽而言，中国传统艺术是强调写意、表达个性，然表现的是一个内向、幽雅静憩的群体性格，他的《石头系列》袭用德国新表现主义的视点，进一步强化中国传统的写意和个性元素；刻意偏离正统水墨柔淡纤弱的视觉质感，改用浓稠丰厚、鲜艳瑰丽的红色油彩去描绘传统山石，强调色彩的肌理的表现性。画面所见，他同时以繁复错落的造型结构改变了文人绘画扁平的视觉特性，堆栈锦密的笔法，使油彩呈现异常浓重的雕塑质感和繁密的肌理趣味，表达一种不常见于中国传统艺术的激烈、刺激情绪。

3)陈逸飞《等候演出(二)》-- 中国写实绘画的突破

自1920年代末，以徐悲鸿为首的艺术家及教育家，通过办学展开了西方古典写实艺术教育。写实画风随着中国政治气候，在50-70年代，成为主流油画风格。中国第一代、第二代油画家，徐悲鸿、颜文梁、吴作人、吕斯百等人为创作拥有中国人文精神导向的写实绘画奠定根基。

中国第三代的写实主义画家其中大部份人成名于 80年代，大多亲身体验中国改革开放前、后的环境变化。随着 1978年改革开放政策，中国社会多元格局渐趋形成，中国艺术坛也静静地孕酿着一场划时代的转变。触觉敏锐的艺术家通过创作，释放自我意识与个人思想，写实画派也产生出百花齐放的风格，更踏上了国际艺术舞台。

浪漫写实主义居美上海艺术家陈逸飞情感丰富的创作，不论是江南风景、人物肖像，都成功地把中国写实油画推向了西方观众的视野，可谓是 80年代中西文化交流的一道桥梁。1984年美国《纽约时报》( New York Times)与《艺术新闻》( Art News)杂志把陈逸飞的艺术风格评为“浪漫写实主义”。可见，陈逸飞作品孕含浓厚的内在情感，深刻打动、震慑观者的内心。

通过“音乐人物系列”，我们可以了解陈逸飞是一位能洞察人内心世界，同时对外在氛围相当敏感的艺术家。陈逸飞“音乐人物系列”的成就在于他如何通过人物造型、光线、构图，带领观者从视觉转到触觉，感受音乐的和谐，以及赞叹人类拥有创造美的事物的才华，表现了艺术家追求美好事物之间的关联感，探求绘画与音乐之间内在的通感联系。

结合古典及现代绘画语言艺术家运用精细的厚彩磨砂技巧把《等候演出(二)》( LOT 836)金色的头发，细致的肌肤、含蓄的眼神、闪烁的银饰耳环和织绣晚装描绘得细腻逼真。为了增加人物造型的雕塑感和立体感，艺术家更于脸部轮廓上细致的迭色。眼神、表情和肢体无疑是写实人物油画中重要的语言，是画作与观众交流、沟通的关键。陈逸飞舍弃描绘乐手的正面，刻意侧面描绘乐手，从而刻画人物微微低头，目光低垂，略显羞色却不乏自信的乐手形象。

重点收藏系列

1)百年遗珍——中国20世纪油画亚洲重要私人收藏

林达川，黄觉寺，俞成辉，谭华(微博)牧等人都是在中国美术史上独特的个例，他们的价值不是因为他们的显赫，而是由于他们的被边缘化。正是对这些寂寞的个体的研究才让我们窥见中国美术曲折向前的发展真相，看到艺术家在个人追求与时代扬弃形成的交集或落差中显现的真实的一面。

在20年代中后期，当中国顶尖艺术人才陆续留洋回国，他们带来了各自不同的主张与艺术观念，中国美术界呈现出百家争鸣，大师辈出的繁荣景象，开创中国艺术在新时代的全新气象。

在20世纪就对西画的学习与中国画的改良思潮在艺术界逐渐形成了两个不同主张的阵营。一是以徐悲鸿、颜文梁为代表的坚决引进西方古典写实主义精神的主张。随着徐悲鸿等成为新中国美术教育的领军人物，其所主张的西方古典写实主义逐渐成为了中国近代美术发展的主流体系。与此同时，同样留法归来的林风眠、吴大羽等人，在受到西方现代派油画潮流的影响下，主张不局限于写实技巧，也看到了现代艺术、立体主义和印象主义等画风，把西画中连同线条、观念和色调等的特点加以融合，力倡中国画既有传统文化内涵，又得西画色彩、构图、造型等因素之长的崭新的中国画形式。主张更广阔的现代绘画语言与中国画的创新结合。

由于20世纪下半叶种种历史，政治的复杂原因，一些远离主流写实主张体系的积极的变革者和身体力行者逐渐淡出公众的视野，渐渐被遗忘。于是，寻找“失踪者”，就成为现代美术史学兴味无穷的话题。从一生传奇坎坷的天才画家沙耆，到五羊城中形单影只的谭华牧，一生在中国美术教育体系中耕耘付出的黄觉寺，俞成辉，林达川，戴秉心等艺术家，都以自身的坚持与执着默默影响着中国美术界，他们都具备一种不怕孤独，敢于打破人云亦云的随同的精神，使其在强势的主流体系中仍然保有一种对艺术探索的新鲜与独特。

通过“百年遗珍”收藏系列中的这些难得的作品，我们将重新拨开封尘的历史，看到属于他们的光华。使我们能看到一个更加完整的中国20世纪美术的视角。

如果历史重新翻回上个世纪20年代初期的广州，美术界的一定会热烈的提及谭华牧的名字。 1924年谭氏与何三峰、陈士洁等留日学友在创办“主潮美术学校”并在广州举办画展，看过这个画展的一位广州市立美术学校学生在回忆录中这样写道：

“何三峰的作品倾向当日风靡世界的法国印象派，谭华牧更跨进一步，接近后期印象与野兽派之间简练、清丽的风格。。。这个画展，令我们观感一新，和冯钢百老师的稳厚华滋、千锤百炼、大家典范的写实作风大异其趣。换一句话说，冯老师的大作，彷佛高不可攀，只许仰止，难以继踪，反之，后者清新可喜，平易近人。比较之下，使我们更进一步认识到艺术风格的衍变，与艺术流派的多姿多彩。这个展览会在同学们中间播下了革命性的种籽，茁发了自由奔放的嫩芽，吴琬(子复)对之尤为倾倒，影响一生，至死不渝。”(赵世铭《广州市市立美术学校的创立及展开》， 1991年印本，香港)。

可以看到，当年谭华牧及其主张的艺术阵营对以冯钢百为代表的古典写实主义风格占主流的广州西洋画界产生的强烈震动。何三峰、谭华牧的作品把广州洋画界划分了两种不同的形态。

50年代开始，以冯氏为代表的西方古典写实主义风格在中国大陆成为绝对主流系统，意味着中国现代艺术史中另一种无法回避的命运的开始。 50年代的谭氏并未在艺术上趋时调适，其盟友何三峰也在 40年代末期去世，谭氏定居广州，从此而开始其寂寞无闻的生命。然而谭从未放下画笔，正是一直都在主流运动的边缘行走和几乎被人遗忘的状态中，用一个游离于主流社会的旁观者的热情去体验他生活的时代的节奏，谭才得以像一个不落红尘的超然居士，沈溺于温柔的内心体验和自然而然的“诗意”。《镇海楼》( LOT 804)是典型的谭氏风格，接近后印象主义与野兽主义之间的简练、清丽，同时还糅合了“中国式稚拙的造型”，色彩上有鲜明的塞尚的影子，加之带有特里罗( Maurice Utrillo， 1883-1955)和塞贡扎克( Andre Dunoyer de Segonzac)自然主义风景画的风格倾向性，以轻松自在的线条来表现一种干净纤巧、平淡内敛的东方气质。谭氏绘画中通过大量的弧线构形组合实现柔美、细腻的节奏追求的风格特征，表明他对内心宁静的追求，已远远超越了他对这个喧嚣的时代的关注。这种明显疏离 20世纪中国美术主流的趣味选择，既贴近谭氏恍惚若即若离的生存状态，客观上，也有效地促成了谭氏趋于稚拙、柔美的抒情风格的自我完善。

从美术史的角度来看，谭氏的风格受到现代主义思潮的熏陶，使得他与何三峰和冯钢百把广州洋画界划分了印象主义风格和西方古典写实主义两种不同的形态，填充着中国美术的数据库。

同样深受印象派及现代主义艺术精神的熏陶，俞成辉，黄觉寺，林达川都在西方现代主义与中国传统古典艺术的融合上进行发掘与延伸，各成风格。

2) 美丽新世界

“美丽新世界”这个单元选题，涵盖了中国大陆已经经受市场初选的良好的教育背景的青年艺术家作品，基于词组“美丽新世界”，这个片段将展现多层面的视觉表达。这些作品会在概念上出现东方及西方的视角和语境，并涵盖了战后抽象的问题；卡通的延展；写实的复苏；和中国传统绘画介入的多元手段和语言，并从多个不同角度探索当代中国社会生活和内心世界。

另一方面，则是不可忽视的大众审美。也因此，这些作品出现了明显审美的特征来表达愉悦的生活气息。我们尽全力从众多的画廊和策展人的视角，把收藏行动，好奇心，复杂的情感和想法都放在一起。同时，我们确认，在中国广大的藏家里，有对不确定性的包容；对新声音的聆听；和对现状改变的期待。这样共同决定了这些作品的最具核心的普世的价值。

更由于这些被甑选的青年艺术家们是具备清晰的艺术史的身份视角来展开创作，就给未来一个广阔的空间和信念。如果这个片段，能够提供为藏家提供一次为分享更美好的未来而进行选择的机会，我们将感到由衷的欣慰和喜悦。

一脉相承学院派写实雕塑的严格训练，颜石林通过他塑造的孩子们那及其饱和甚至夸张的达完成了诚实的自我的内在表达。无论是情态还是色彩，充满当下时代的气息，扑面而来。俨然成为80后写实雕塑的新一代代言人。正如颜石林所说：“所有的一切才刚刚起步，所以我不会预计以后去做甚么，到那时我的小孩也会慢慢长大，他们就成熟到不用再用塞子堵住耳朵了。”