古代似乎没有专门“书法家”这一称呼，士人都要写得一手好字好书法。那时没有电脑、手机，艺术家写得一手好字，十分有必要。对于书法，北方艺术家要比南方重视。跟国画家聊书法，我常常会听到“我是画家，不是书法家”这样的论调。这种观念，普遍存在于艺术圈中，究其原因，我认为与国学、书法的根子不深有关。

书法家的作品往往受到其在社会中所担任的角色的影响。如何理解？林风眠的作品形式感强，但由于他是中国美术教育的重要奠基者，受其地位影响，其作品也备受欢迎。康有为提倡碑学，书法很大气，但笔法动作太大，过于强调外在力形式。他是现代史上的重要人物，其社会名声实际上推高了其书法名声。

说到国画家与画家，我认为这是两个不同的概念。国画家以诗、书、画、印为基础，而画家基础往往在于素描与色彩。100多年前，一些有识之士对本土文化不自信，诗书画印虽不能说是腐朽文化，但却与落后文化等同，随着社会变革，文化上也来了一场革新。于是有识之士把西方的素描、色彩漂洋过海照搬过来，一味推崇西方艺术。就连对中国文化十分尊崇的康有为、陈独秀，也持这样的观点，认为要用西方“科学”写实来改造中国画才有出路。然而，如果他们今天还活着，这些真正的有识之士，一定会改变这种观点。为何这么说？20世纪80年代初期到中期，中国新潮的美术理论家，均认为西方艺术最先进。如今30多年过去了，同样这些人，纷纷站在国学一边，认为国学才是最重要的，国学成了最新的美术理论。这个例子说明，康有为、陈独秀等知识分子，假若今天还在世，也许会重新审视他们的观点。

100多年来，中西艺术融合，以古典与现代西方素描、色彩为界点，出现两种不同的前行方向。一方以徐悲鸿、蒋兆和、吴作人为代表，以西方古典素描和色彩为基础；另一方以西方现代色彩、造型为基础，尤以林风眠、吴冠中、刘海粟为突出。两方之间互相争论。还有一方以吴昌硕、齐白石、黄宾虹为代表，坚守中国传统绘画方式，深拓开掘中国传统，这些国画家均植根于中国传统的诗、书、画、印。有趣的是，张大千慕名拜访毕加索，发现毕加索临摹的正是齐白石的画。毕加索说，世界上，中国与非洲有艺术，唯独欧洲“没有艺术”。这种说法也许有些偏颇，但间接说明中国传统艺术之精髓所在。艺术其实是一种没有裁判的比赛，三种中国画的前行方式互相比较，中西融合的两方自认为一直走在潮流前面，觉得传统画一直囿于传统的圈子里，腐朽没落。虽不至于被淹没，但也不会很突出。然而，100多年后，造诣最高的仍属开掘传统那一派。

中国画不特别强调“形式感”，黄宾虹认为，中国画具有“内美”，与石涛的“道”不谋而合，均强调中国画的精神、哲学层面。然而，像全国性美展及其它艺术比赛，看到的更多还是形式美感。作为评委，外在的形式美比“内美”更容易评审，所以写意画很难突破。值得注意的是，这些艺术比赛本来便是一种外在形式，也不难理解为什么评出的作品多是形式见长的作品，比如“形式美”装饰风浓的工笔画，等等。