在半个世纪前，人们非但不认为奢侈品是一种艺术，还认为它是艺术的敌人。艺术的神圣无法用金钱衡量，它高高在上，受人顶礼膜拜。而奢侈品却充满了凡尘俗世的味道，金钱是衡量其价值的最佳标准。然而，随着全球经济一体化的发展，随着观念先锋们开始意图打破时尚与艺术的界限，奢侈品牌也逐渐意识到艺术为商业带来的巨大影响力和推动力，而后，二者的结合越来越紧密，表现形式越来越多样，呈现的内涵也越来越具深度和扩展性。我们不得不承认，在现当下全球范围内，艺术与奢侈品更多的是水乳交融。

艺术家与奢侈品牌的跨界合作

伊夫·圣·洛朗借用荷兰抽象艺术大师皮特·蒙德里安的名作《红黄蓝构图》设计出了举世闻名的蒙德里安裙，这也许是最早将艺术与时尚结合的成功典范。在艺术走下神台、越来越贴近生活的今天，艺术家为奢侈品牌进行创作设计也屡见不鲜，中国当代艺术家丁乙应邀为爱马仕设计名为“中国韵律”的丝巾， 蔡国强与日本着名设计师三宅一生合作的“爆炸时装”，村上隆为路易威登设计的全球知名、引发抢购的樱桃包。当代水墨艺术家蓝正辉和着名舞蹈演员黄豆豆合作《梦想之路》助阵华晨宝马“与坚持梦想者同行”主题时尚艺术盛宴。

事实上，在艺术家与奢侈品牌合作的过程中，艺术家的创作自由度成为我们最为关注的话题。艺术家自我底线在何处，能不能完全释放自己，表达内在，会不会受到商业的限制和束缚，是否惟品牌的意愿马首是瞻等，都是值得思考的问题。曾与LV、Gibo等大牌合作过的英国时尚插图画家Julie Verhoeven说道：“艺术是完全的自我放纵，你不用为他人着想。时尚则不同，你不能完全地荒谬。”尽管我们都承认，艺术创作与商品设计有界限和功能的区别，但在互相尊重的前提下，艺术家在品牌创作中呈现出最真实的情感表达，令奢侈品更具艺术性，而奢侈品牌为艺术家的创作提供更为自由的空间，也许是双方获取共赢的未来可行性道路。

最高收藏机构与时尚品牌的亲密接触

最早期奢侈品涉足艺术圈多半是赞助有潜质的艺术家及针对各类艺术大展的冠名。相对于这种相对温和的接触，直接在博物馆、美术馆里做展览则是近年来奢侈品牌最钟爱的形式。并非奢侈品牌一厢情愿的靠拢，艺术圈与奢侈品本就有千丝万缕的联系。同样是讲究美感、同样注重品质、同样具备文化内涵、同样表达观念，也正因为如此，最高级别的国家收藏机构才有了与奢侈品牌的合作办展的可能性和连续性。

2009年北京故宫博物院首推卡地亚珠宝大展；今年年初在中央美术学院美术馆举行的《PRADA中国首秀服装展》正令人意犹未尽，5月，国家博物馆又迎来了路易威登艺术时空之旅展览，11月中国美术馆的《文化香奈儿》艺术展来袭。知名品牌扎根于最知名最权威的收藏机构里，运用艺术馆的文化氛围和耳目一新的展览形式，集成种种新型概念和有趣的想法，更好地去阐述奢侈品牌的文化内涵，还有比这更艺术的方式么？《文化香奈儿》带给我们的并不只是服装、香水和手稿，还有自香奈儿创建以来，与众多艺术家合作产生的绘画、影像、雕塑、手稿等，诚如其名，这个展览带给我们更多的像一个文化艺术展而非商品展。尽管这些展览引来一些争议，但这种将文化、艺术、商业有机结合的时尚大展确实令人耳目一新，这种模式也引发了对于如何理解艺术和时尚的关系的思考。国家博物馆馆长吕章申曾说道：“丝绸、瓷器、玉器、青铜器，当年何尝不是奢侈品，但今天却都成为我们文明最辉煌的顶峰之作。”从这个角度看，这样的结合对于大众来说，实际意义更为深远，从奢侈品的溯源发展和品牌文化中，我们不仅可以看西方的文明发展史，亦可了解他们不同时期对于美的不同解读，了解西方奢侈品牌独特的文化品位和审美，以及它们为当下社会带来新生文化变革。

对于美的需求使得跨界适逢其时

对于大众来说，艺术与时尚越来越紧密的结合并不会那么令人不安。艺术品没有离我们很遥远，奢侈品也没有那么世俗化，它们都是人类对社会生活呈现的产物，却服务于我们的生活。我们需要的品味实际上就是一种对生活的态度。在艺术与时尚大玩跨界的当下，对于各种高水准、高品质的时尚艺术展览，只要能为大众提供美的分享、或者美的引导，我们都是支持和赞许的，因为其本身就是一种美的呈现。