“学我者生，似我者死”是齐白石先生的名言。一直以来，学术界都在对怎样继承、如何创新的问题上进行探讨和争论。上世纪八九十年代的“潘林之争”，从表面上看是关于中国画还有没有生命力的问题，但实质上就是如何看待国画的继承与创新的课题。笔者认为，继承和创新不是矛盾和对立的，而是辨证的统一，是相互依存，相互补充的。创新必须建立在继承传统优秀遗产的基础上进行。不继承传统，凭空想象创新出来的作品，就象在沙漠上建造的大厦，很难有稳固的根基；没有创新，只是片面的承袭古人，认为中国画不再发展，已经达到顶峰的说法，更是荒诞的谬论。齐白石先生的一首诗“逢人耻听说荆关，宗派夸能却汗颜，自有心胸甲天下，老夫看惯桂林山”更是很好的阐释了这一观点。

中国绘画历史悠久，早在新石器时代，黄河流域和长江流域就孕育了早期的美术作品。几千年来，产生了众多的画家和不朽的绘画作品。每个时期的作品，也都深深地烙上了那个特定年代所独有的文化印记。绘画的题材也随之不断的拓宽，艺术水平不断的革新、提高。继承传统，学习古人，取其精髓，摒弃糟粕，是必要的。近年来，个别画家为了出风头，抢眼球，耐不住寂寞，不厚积文化底蕴，故意不从传统的路子入手，去寻找捷径，搞所谓的抽象画，把颜色涂到身上、画布上，涂鸦几笔，即谓之在引领艺术的潮流。不学习，就不能把古人的笔墨技法、创作经验继承下来，势必会阻碍自身艺术修养的提高。艺术家不是天生的，要经过艰苦地钻研，深入地理解，不断的提高，才能成功。古人云：“九层之台起于垒土，千里之行，始于足下”，“欲神于规矩之外，先循于规矩之中”，“行万里路，读万卷书”，都是要深入生活，不断对古今中外绘画深入研究，兼收并蓄，集各家之长，览宇宙之宝藏，穷天地之常理，窥自然之和谐，悟万物之生机，只有“胸中自有神奇，才能造化自为我有”。照搬传统是行不通的，全盘西化也是不可取的，而是要创造性的继承传统，继承是手段，不是目的，继承好了优秀的传统文化，艺术家才能站在巨人的肩上，去更好的创新。

“笔墨当随时代”是画家们历来主张的，艺术要有时代精神，就要有创新，从传统中发展，从西洋中借鉴，充分的发挥“古为今用，洋为中用”的方针。近现代中，可以看到以承为变、以古为新的代表，如赵之谦、吴昌硕、虚谷、齐白石、黄宾虹、潘天寿等金石画派都是中国画内部的革新。而以徐悲鸿、林风眠、刘海粟、傅抱石等为代表的融合派则是向中国画外部寻求新机，将西画的理念融进中国画，改良中国画，赋予了中国画新的生命。中国画的创新是不能割断历史，不能离开中国画的特点与风格去凭空地创造。中国画长期形成了独特的民族形式，它具有鲜明的中国作风和中国气派，是广大人民群众所喜闻乐见的。我们在研究中国画的艺术规律时，并不是束缚自己，而是为了更自由、更充分地运用这些规律为表现新的思想内容服务，并在实践中不断丰富和发展民族特色。中国画有自己的特点，但与外来的绘画艺术，也有其相通的艺术规律，而且应该吸收外来绘画的长处，丰富我们中国画的艺术技巧。

要创新，不是简单的嚷嚷口号。艺术家是要从绘画意识上进行改变。要有现代意识，赋予时代特点。如果艺术家在观念上无动于衷，那作品无异于文物的复制。现代意识是一种文化概念，是现代文化精神的体现，是民族传统的重新认识与提高的新观念，代表着绘画艺术的历史意义及时代意义。创新要提高作品的思想深度和广度。如果只有概念的题材和概念的人物，以生硬造作的姿势来代替生动的形象刻画，作品必然是乏味的。创作者只有把思想加以解放，加以升华，对题材发觉得深，并且经过反复推敲，选择恰当的素材，创造典型的艺术形象，才能揭示出新的主题意境。创作者要形成自己的个性特点。历史上的大家们都是在传统的基础上大胆的创造，以自己最熟悉的艺术语言，表现新思想，形成新风格而独树一帜的。

有了内容的创新，还要用新的形式来配合，创造新颖的技法来提高国画的表现力。一些艺术家在皴、擦、点、染等的传统绘画技法上，做了大胆的尝试，创造出泼、洒、冲、印、拓、擦、揉、压等自由方法，更准确地表达了作者的主观情感，丰富了国画的艺术语言，使画面既有具象、抽象性，又有写意性。创新是国画得以发展的必有之路，继承是画家通向创新的唯一出路。也是一条艰难曲折的道路。需要画家保持良好的艺术心态，提高自身的艺术修养，才能在创新的道路上走向成功，只有在其艺术表现形式上有着鲜明的个性和独特的风格才能在画坛有一席之地，同时还必须有独立的艺术体系与艺术理论，创新并也并不是单独的技法问题，它有强烈的精神色彩和审美观以自身的创作欲望通过独特的形式来表达出来，所以创新者要具备文，史，哲，佛，道等多学科的知识，认真研究历代每位大师在历史上特有的发光点，察其艺术发展的步履，领悟其艺术形成的诸多因素，认真学习其艺术手段，但绝不能栖身于大师麾下。老子说：“反者道之动”，画者只有立志开拓一个完全属于自己的艺术领地，选择自己最热爱之事物投以最真挚的情感，视其如同自己的生命，这块热土一定能开出绚丽的艺术之花！